音乐欣赏论文（如何写音乐欣赏论文）

今天给各位分享音乐欣赏论文的知识，其中也会对如何写音乐欣赏论文进行解释，如果能碰巧解决你现在面临的问题，别忘了关注本站，现在开始吧！

本文目录一览：

• 1、音乐艺术鉴赏的论文
• 2、大学音乐论文
• 3、求一篇音乐欣赏的论文，要求1500字左右！
• 4、影视音乐赏析论文
• 5、求音乐鉴赏论文 (1000字)
• 6、音乐欣赏在高等音乐教学中的重要性

音乐艺术鉴赏的论文

我自己写了，一个关于歌剧《图兰朵》的鉴赏选修课论文。可供参考

我觉得音乐剧和歌剧都有声乐演唱这门艺术在其中。音乐剧重在表演，它是以声乐、舞蹈、舞台美术、剧本等等组成的综合艺术；而歌剧中歌唱占主要地位，虽然它也有剧本中的戏剧冲突表演，但人们会为欣赏一出精彩的表演去看音乐剧，而不会单单为欣赏表演去看歌剧。

音乐剧并不只是由音乐伴奏的表演。音乐剧中的歌曲很多并非独唱曲，音乐剧中的歌曲更短，更简单，易于传唱，人们可以在散步或洗澡的时候唱这些歌曲。而歌剧则靠独唱的咏叹调引领全局。咏叹调会伴随着每一次戏剧性的转折将整部戏推向高潮。歌剧《图兰朵》中，一个为了报祖先暗夜被虐走之仇的图兰朵，采用女高音唱法与卡拉夫即鞑靼王子男高音唱法，两人演绎了一段凄美动人的爱情故事。正是由于图兰朵总保持着优雅而高贵的举止来生活、相爱和逝去，下嫁与鞑靼王子，最终以完美的结局呈现，剧中有交响乐团伴奏，配合歌唱得以淋漓体现。这和音乐剧相比是不同的。在音乐剧中，主人公与爱人告别的场景可以是杂乱的集市，甚至是垃圾场，他们也一定是疲惫不堪和心神憔悴的。尽管音乐剧中的歌曲更容易从整部剧中独立出来，但这些歌曲本身不一定适合剧情发展的需要，这就需要演员通过舞蹈或其他的表演来烘托气氛，带动剧情进入高潮。

歌剧它表现的是人类的共性，提取情感的精华，蔑视日常生活中的小智慧。剧中的反面角色被刻画成十恶不赦的的坏人，英雄们则勇敢无畏。音乐剧中的男女主角更加人性化，他们并不追求卓越与出众，也没有野心，音乐剧它是赞扬那些在平凡生活中追求浪漫幸福的普通人。因此，音乐剧被人们认为是平庸的创作。以上即是我所领悟到的音乐剧和歌剧的大致区别，请老师点评。

通过学习《音乐鉴赏》这门课程的学习，收获了不仅仅是对音乐知识的深刻了解，同时也领悟到了音乐带给我们的更深层次的精神感受。在这短暂的学习当中让我受益匪浅，因为有老师的深刻指教，以及细心教导，让我对艺术产生了浓厚的感情，特别是音乐这块。我想我以后一定会珍惜这段美好的学习时光，因为有老师的相伴，让我终身难忘。

大学音乐论文

西方古典音乐鉴赏

“古典”（Classic）一词源自拉丁文，原是典范、即奉古希腊（或罗马）为典范而加以模仿的意思。

人们有时把严肃音乐或艺术性音乐统统称为古典音乐，以同所谓“流行”音乐或娱乐性音乐相区别。“古典”的这一广义解释，把历史时期和风格全然撇开，因此，本来是属于不同时期和不同风格的音乐作品，例如，巴赫、贝多芬、柴科夫斯基以至于斯特拉文斯基的作品，都可以称为古典音乐。

音乐史上的古典时期基本上是属于器乐的，绝大多数作曲家的注意力都集中在器乐的体裁与形式，声乐的地位反而退居其次。敢于同大主教决裂的莫扎特，虽然在歌剧方面卓有贡献，他的器乐作品也是大量的。至于贝多芬，他纯粹是一位器乐作曲家，他以革命中的英雄作为作品的主人公，为此他有时也被称为革命的古典作曲家。古典主义的规范化确立了奏鸣曲、弦乐四重奏、协奏曲和交响曲等多乐章体裁和快板乐章奏鸣曲形式。古典风格作品中节奏与配器色彩灵活善变，而不是整乐章划一不变;古典作品中所有声部、甚至于演奏的力度，都由作曲家亲自写出和标明，而不是留给演奏者演奏时即兴处理。至于感情的表达，古典作品由于理性精神的影响，往往比较克制、沉着，而不是狂热的倾诉——从这方面着眼，巴罗克风格全然不同于古典主义，它反而更接近于后来的浪漫主义的精神。

西方古典音乐是西方文明中极为重要的一部分。西方古典音乐作品浩如烟海，而在我们的传统印象中，由于历史文化的原因，西方古典音乐难于欣赏，成为一种阳春白雪的高雅文化。其实，古典音乐中有许多脍炙人口的音乐作品、片段，在我们生活中为人们所喜闻乐见。霍夫曼曾说，“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义的艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情，沉浸在无法表达的渴望中。”

在欧洲艺术史上有两个重要的时期，古典主义时期和浪漫主义时期。前一个时期包括十八世纪最后的二十多年和十九世纪的前几十年;另一个时期在法国大革命引起的社会和政治变动的影响下，于十九世纪的第二个二十五年中形成。当时的浪漫主义真可为无孔不入，在文学界，建筑界，艺术界等各个领域中都涌现了一大批杰出的浪漫主义者。

在浪漫主义时期，随着工业革命的进行，钢琴也进行了改进，其自身采用了铸铁结构，琴弦也加粗了，这种钢琴能获得更浓厚和更辉煌的音乐，跟现在的钢琴开始接近。接下来，我用一个事实来证明这一点：如果李斯特的时代要求他有不同的表达方式，而且还因为这个时代为他提供了能产生不同效果的钢琴，这种钢琴在较早的时期是找不到。但这种比较我们只能在音乐文献中找到，在现实社会中已很难找到。

十九世纪的钢琴小品大师有奥地利的舒柏特、波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、德国的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯，以及他们的同代人——在发掘钢琴技术上的可能性与戏剧性方面显示了无穷无尽的独创性。总而言之，短小的抒情形式的出现，作曲家就会认为乐曲的大小不是艺术批评的标准，一首优美的，精心的创作的小型乐曲也能和一部交响乐相媲美。

一首完美的诗本身就是很完美的，不用需要有最高度的想象力。浪漫主义艺术歌曲的创造者将歌词与音乐结合得非常成功，正是由于这些音乐作品，有许多抒情诗才能得以幸存下来。

歌曲的结构可分为两大类。在分节歌形式（strophic form）中，诗的每一段或每一节都重复同样的旋律。这是民歌和通俗歌曲中很常见的结构。歌的第一段可能是讲述一个情人的期待，第二段是他见到爱人时的欢乐，第三段姑娘的父亲粗暴地将他们分离，第四段姑娘悲伤地死去，所有这些都用相同的曲调演唱。另一种形式德国人称作“durchkompoiert”，字面意思是“全面创作的”，就是说作曲过程贯穿全曲，没有整段的反复。还有一种中间的形式，它将分节歌中的反复和全创作歌曲的自由结合在一起，有两、三段重复同样的旋律，然后在需要时就引入新的旋律，一般来说都是在高潮部分引入。舒柏特脍炙人口的《小夜曲》就是这种结构的精彩范例。

尽管在各个时期（代）歌曲都处于显着的地位，但现在通过很多欧洲音乐文献记载知道艺术歌曲是浪漫主义时期的产物。艺术歌曲是在十九世纪初由诗歌与音乐相结合而创造出来的。舒柏特和他的后继者，著名的有舒曼和勃拉姻斯，使这种结合获得了如此完美的艺术效果，以致这种新风格以德文中的歌曲一词：Lied，闻名胜古迹欧洲。

艺术歌曲随着抒情诗的兴起而繁荣。抒情诗的兴起是德国浪漫主义出现的标志，艺术歌曲使浪漫主义时期将音乐和诗歌结合的愿望得以实现，它包括温柔的情感或戏剧性的民谣风格。艺术歌曲中最常采用的主题是爱情、期待、大自然的美和人生中短暂易逝的幸福。

钢琴在十九世纪作为普通乐器出现在欧洲，使浪漫主义艺术歌曲能够获得成功。钢琴的伴奏把诗中的形象变为音乐的形象。人声和钢琴共同创造出了富于情感的短小的抒情形式，这种形式对于业余爱好者和艺术家同样结合，也同样适合于在家庭里和音乐厅里演唱。在短时间内，艺术歌曲就获得了极大的普及，并对世界艺术做出了永久性的贡献。

标题音乐是带有文字或图画联想的器乐作品，这些联想的内容由乐曲的标题或说明性的注释来提示的。“标题”只是由作曲家自由加上去的。在当时那个年代里，音乐家敏锐地意识到了他们的艺术与周围世界的联系。这种意识促使用使他们的音乐更加接近于诗歌和绘画，并且使他们的作品涉及到当时的道德和政治问题。还促使他们以一种新的方法来探讨绝对音乐（纯音乐）的形式。

标题音乐在歌剧院中获得了最初的推动力。序曲作为歌剧（或戏剧）的引子，是单乐章令人兴奋的管弦乐曲。有许多歌剧序曲后来获得了像音乐会乐曲一样的普及，因而独立出来。这样便为一种歌剧没有关系的新式序曲开辟了道路。

标题音乐中有一种是为戏剧写的，也很有吸引力，通常由序曲和一组在幕间及重要场景演奏的乐曲组成，这就是配乐。十九世纪的作曲家创作出了许多这类的作品，这些作品的音画法（tone painting），性格化和剧场效果都是值得注意的。最成功的配乐作品，通常被改编成组曲。其中一些流传得非常广泛。例如，德国著名作曲家大师门德尔松为《仲夏夜之梦》所写的音乐就是这类音乐作品中的典范。随着十九世纪时间的推移，一种大型的管弦乐形式就越来越需要了，这种形式在浪漫主义时代将起的作用就像交响乐在古典时期起的作用一样。到十九世纪中叶，交响诗的创造迈出了这期待已久的一步。交响诗是十九世纪在大型器乐形式上做出一个有独创性的贡献。它是李斯特的成就，他在1848年首次使用了这个词。他的《前奏曲》是此音乐中最出名的范例。

交响诗是为管弦乐队而作的单乐章标题音乐作品，它通过段落之间的对比而发展诗意，使人联想起某种情景，或造成一种情绪。交响诗还有一个非常美丽的别称：音诗。交响诗与音乐会序曲有一点重要的不同，音乐会序曲一般保留传统的古典主义的构思，而交响诗在形式上则自由得多。交响诗的形式是为作曲家所需要的大型单乐章乐曲准备的“画布”。总之，交响诗在整个十九世纪后半叶中，成为标题管弦音乐的最精致的形式。

最后介绍标题音乐进入到绝对音乐的神圣领土——交响乐中。作曲家一方面尽力保留贝多芬的宏大的形式，同时又赋予它以文学内容。这样就出现了标题交响乐。著名的作品有法国作曲家柏辽兹的三部标题交响乐——《幻想交响曲》、《哈罗德在意大利》、《罗密欧与朱丽叶》、德国作曲家理查德·施特劳斯《阿尔卑斯山》、《家庭》和匈牙利作曲家李斯特的《浮士德》和《但丁》都是最著名的交响乐作品。

民族主义者和民族艺术家是站在一起的，但民族主义者以一种更自觉的方式肯定他的民族传统。在十九世纪的欧洲，那时的政治条件促进了民族主义的发展，使之达到了在浪漫主义运动成为决定性力量的程度。征服民族的傲慢和被征服民族为自由的斗争造成民族关系的紧张，使民族情绪上涨，这种情感在音乐中找到了理想的表达方式。浪漫主义作曲家用许多方式表现他们的民族主义。一些作曲家以他们民族的歌曲和舞曲作为音乐的基础，如肖邦以他的玛祖卡舞曲、李斯特以他的匈牙利狂想曲、德沃夏克以他的斯拉夫舞曲、格里格的挪威舞曲。一些作曲家以民间传说或以农民生活为基础写作戏剧性的作品，例如韦柏写的德国民间歌剧《自由射手》、斯美搭纳写的捷克民族歌剧《被出卖的新嫁娘》，同样，还有柴可夫斯基和里姻斯基·科萨科夫写的俄罗斯神话歌剧和芭蕾舞剧。还有一些作曲家写作交响诗和歌剧，歌颂民族英雄的功绩，历史事件或祖国的美景。柴可夫科斯基的《一八一二序曲》和斯美塔纳的《我的祖国》就是这股潮流的代表作;瓦格纳的音乐戏剧对德国神话和民间传说中的神和英雄加以颂扬，特别提到的是《尼伯龙的指环》（歌特式摇滚的先驱），这个剧本是以齐格菲的生死为中心题材的庞大史诗，它也是一个代表作。

民族主义作曲家常把自己的音乐与民族诗人或戏剧家的诗句结合起来，舒柏特为歌德的诗歌谱曲即属此类，还有格里格为易卜生的《皮尔·金特》所作的配乐，及柴可夫斯基的为普希金的戏剧为基础的歌剧。俄罗斯民族诗人普希金还激发了里姻斯基·科萨科夫和穆索尔斯基的创作灵感。在这种时期，民族主义作曲家能把人民的抱负以激动人心的方式表达出来，像威尔第在意大利为统一而奋斗时所作的那样，或是西贝柳斯在芬兰于十九世纪末为反抗俄国统治者而斗争时所做的那样。

民族主义音乐的政治含义触动了统治者。威尔第的歌剧不得不一再修改，以适合奥地利检查官的心意。芬兰在十九世纪末、二十世纪初要求独立时，西贝柳斯那带有令人振奋的号角声的音诗《芬兰颂》被沙皇禁演。民族主义为欧洲音乐的语汇中增加了极富魅力和活力的民族风格。由于把对祖国的热爱注入到音乐中去，民族主义使作曲家能够表达出千百万人民的心愿。总之，民族意识渗透到十九世纪欧洲精神的各个方面。没有民族意识，浪漫主义运动是难以想橡的。

在音乐、绘画和文学中的异国情调显现出遥远国度里别致的气氛和色彩。不同说，浪漫主义运动大大加强了这种倾向。在十九世纪，异国情调首先表现在北方民族思慕那南方的温暖和色彩，其次表现在西方追求东方那神话般的景象。前者推动德国、法国和俄国的作曲家在自己的作品中转而表现由意大利和西班牙引起的灵感。在这类众多作品中，有俄罗斯作曲家的几个著名作品：格林卡的两首《西班牙序曲》、柴可夫斯基的《意大利随想曲》和里姻斯基--科萨科夫的《西班牙主题随想曲》、德国贡献出门德尔松的《意大利交响曲》、沃尔夫的《意大利小夜曲》和理查德·施特劳斯的《致意大利》、法国作品有夏布里埃的《西班牙狂想曲》和拉罗的《西班牙交响曲》。值得一提的是比才的《卡门》也是这一领域中的杰作。

俄罗斯民族乐派使东方的魅力产生了国际性的影响。由于俄罗斯帝国与波斯接壤，这种异国情调实际上是民族主义的一种形式。亚洲神话般的背景渗透进俄罗斯的音乐。里姻斯基一科萨科夫绚丽的管弦乐作品《舍赫拉查达》及其歌剧《萨特阔》，鲍罗丁的歌剧《伊戈尔王子》和交响诗《在中亚细亚草原上》，伊波利托夫一伊万诺夫的《高加索素描》，这些都属于东方色彩的作品，这些作品至今还风行于全球。一些法国和意大利的作曲家也采用异国情调：如圣一桑的《参孙与达丽拉》，德利布的《拉克美》，马斯奈的《泰伊思》，威尔第的《阿伊达》，以及普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》和《图兰多特》。

懂得欣赏西方古典音乐也是很重要的。最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏，即满足于音乐的直觉感受，也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的振罕力，给人以力量，振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响，你就更爱听，听得轻松听得舒服，时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。再一进步就是古典音乐情感的欣赏，也就是通过感受音乐的各要素，体验、理解音乐的情感，在欣赏过程中，对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析，节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍弱拍的周期性，有规律的重复进行，基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解，如慢三、慢四一般表现抒情、优美，圆舞（快三）表活泼，进行曲表现有力量等;旋律也称曲调，高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来，我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走，基本的感觉一定要找到，如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮，下行一般表现激烈转为平静;和声也称和弦的运用，一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐，如果说旋律是横向进行，和声就是纵向进行的，如此以来，音乐就丰满起来，也有了气势;音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握，欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的，我们可以运用这些知识去体验理解，再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。

欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏，也就是说不仅体验、理解音乐的情感，还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次，我们必须了解欣赏欧洲古典音乐的三元素，即创作背景、演奏者的再创作;欣赏者自身的理解。欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期：第一时期巴洛克时期，这个时期的代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师;意大利的维瓦尔弟等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。第二时期是古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。第三个时期是浪费主义和民族乐派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，作曲形式多样化，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。第四个时期是近代主义乐派，代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解;欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。

学习欧洲古典音乐，理解古典音乐，欣赏欧洲古典音乐，将给我们的生活增添无限的乐趣。 本类TOP10音乐欣赏论文(2803)音乐论文--音乐欣赏(2372)浅谈音乐欣赏中感情体验的基本要求 (1210)我的毕业论文－浅谈声乐作品的二度创作(1185)音乐赏析论文(1089)威尔第与《茶花女》 (1074)音乐论文--如何去感受音乐、体验音乐、审美音乐？(826)中 国 音 乐 的 前 途——论现阶段中国音乐发展的两条道路及未来的方向 (699)音乐论文(666)论现代音乐 (625)

求一篇音乐欣赏的论文，要求1500字左右！

音乐是一种很神奇的东西.无论高低贵贱,我们都有欣赏音乐的自由.无论你是高兴或悲伤.当你真正用心去聆听音乐的时候.你就会忘记生活中的种种得失.尽情沉静在美妙的音符之中.

音乐是一种心灵的产物.音乐是内心感情的一种宣泄.因此音乐往往会引起共鸣.会勾起你的喜怒哀乐.

贝多芬的第九交响曲,就是在他失聪的情况下写出来的.试想失去听觉对一个音乐家来说意味着什么.可是贝多芬的伟大正是在于他用心去聆听这个世界,聆听自己的命运.所以他才能写出那么震撼的交响曲.贝多芬正向一个音乐精灵,在他身上我们看到音乐的两个属性-灵性和神奇.

我是个感情很丰富的男孩子.我认为通常这样的人对音乐的热情会比较高.因为音乐本身是种很感性的东西.出于对音乐的喜爱我选择了音乐欣赏课.这对我来说对音乐的理解和感悟有了种突破.也纠正我对音乐的一些狭隘的理解.

对于我们年轻人来说通俗流行音乐充满了吸引力和号召力.这是因为符合了年轻人的口味.但盲目追求流行的同时我们也丢失了一些东西.流行中的确有很多好的东西.但也有很快餐的音乐.现在终于知道老鼠爱大米有多可笑了.

第一次那么近距离和静下心来聆听高雅艺术还是在音乐欣赏课.那么的震撼.感觉心灵受到洗礼.忘不了美妙的钢琴曲的声音. 我真的喜欢钢琴的声音.同时我也觉得自己的欣赏水平的提高.

在感受音乐的同时,我们更了解了许多的音乐家.其中有天才莫扎特.和音乐之父贝多芬.上面提过.不过他是让人感受最深,心灵震撼最大的一个人.我觉得他太伟大了.

贝多芬的一生是充满了艰辛与痛苦，但他同样是幸福与永恒的.因为有音乐伴随他的一生.更影响他的后代. 当然我是无法用音乐评论家的角度去分析他的音乐，我只能用心去感受，试图能与贝多芬音乐的灵魂接触，对于一位伟大的音乐家来说，音乐是生命，贝多芬同样如此，音乐是让人欣赏的，但贝多芬耳失聪后，仍对音乐那种至死不悔的精神让我感动。他仍不断的创作，为后人留下了不朽的音乐篇章。此时此刻，音乐是有灵魂的，它飘忽于世界上的任何一个角落。人们热爱音乐，更爱音乐给他们带来的那份感情。

音乐的力量是伟大的，它甚至能拯救人的生命。当然伟大的音乐只能由伟大的音乐家来创造，或许这话过于绝对了，但有一点，音乐是值得我们去付出的，也只有我们去付出了，才会让更多的人来了解音乐，才会让音乐家的生命永恒，让音乐的天使留在我们的身边。每个音乐人都希望有贝多芬那样的成绩，但音乐又是自私的，而是在于每个人对音乐的理解。贝多芬的创作过程也是令人惊讶的，他善于捕捉每个音乐细胞。我想音乐与贝多芬已经合为一体了。贝多芬是音乐，音乐亦是贝多芬。音乐的升华就是生命，或许有一天当我们去拨弄那把无玄琴时，才发觉音乐就在我们身上。其实音乐无所不在.关键我们缺乏发现的眼光.就是因为音乐的灵性和神奇吧.所以不是没个人都能成为音乐家.

我看过西区故事,了解了黑人音乐.我们这一代人大都或多或少地受到过西方古典音乐的熏陶，或者曾经喜爱过已广泛采用西方音乐体系的所谓中国民歌。我们接受那些起源于白人传统的美国流行音乐来一般不成问题。但摇滚乐的基础有一大半来自黑人音乐，其旋律特点，节奏方式，乃至音调高低等都与西方古典音乐有所不同。黑人乐手十分注重Showmanship。这个词可以译为职业道德。比如，早期的黑人民歌手即使再穷，上台也要穿西装，因为他觉得这是职业歌手起码的装束。后来的黑人摇滚乐手在表演时一个比一个疯，演出服一个赛一个地夸张。这个词还可以译为表演技巧。表现在音乐上，就是对即兴演奏的重视。其实早期的西方古典音乐很重视即兴演奏，据说莫扎特就是一个天才的即兴演奏大师。但后来由于种种原因，西方人把这个美好传统给丢掉了。早期美国黑人乐手的唯一舞台就是酒吧。在那种嘈杂的环境下，面对喝得醉醺醺的听众们，没有什么比一大段出色的即兴演奏更能吸引人们的注意力的了。美国摇滚乐吸收了黑人音乐这一特长，极为重视器乐独奏，在主副歌之间总要来上一大段Solo，极为出彩。这在中国流行音乐中是少见的，这和中国乐手缺乏演出机会有着密切的关系。这些人可以说是后来风靡美国的所谓“另类文化”的开山鼻祖。他们对世界文化的一大贡献就是扩展了人们的视野，鼓励人类第一次越过贫富、阶级和肤色这些表面的差异，挑战已经经历了几千年的许多基本价值观念。不管这种挑战是否有意义，有一点是肯定的：即美国的文化艺术（尤其是摇滚乐）的发展受了他们很大的影响。其中一个最显著的后果就是：人们比过去更能容忍另类的思想和艺术了，甚至从某种程度上说是鼓励个性发展，崇尚标新立意。没有这种态度，没法想象美国摇滚乐在这四十多年里会出现那么多独特的歌手，那么多富有个性的作品，那么多不同的流派。

虽然我们聆听好音乐的时间不多.但我真的感觉到了音乐给我们带来的一切.不敢想象没有音乐世界是什么样子.虽然没有每次都去,可是我去的每次都用心听了.感谢老师，感谢音乐欣赏课。我知道以后的时光中能有这样的时间听音乐的时候不多.可是我很珍惜这样的机会.我在人生的道路上，她将永远伴我向前迈进。我想让音乐支撑起所有的价值和尊严，因为音乐让我多了一份睿智，让世界多了几缕温馨……

影视音乐赏析论文

影视音乐是音乐和影视的结合,当音乐一旦融入影视之后,就成为影视作品中不可或缺的重要元素,并迅速发展成为一种新的音乐体裁。下面是我为大家整理的影视音乐赏析论文，供大家参考。

影视音乐赏析论文范文一：影视音乐的审美意蕴研究

影视画面与影视音乐相结合，不仅可以使影视作品的画面更加有活力，而且还能将视觉的东西听觉化，让作品所要表达的感情更为深刻。比如，我们会在灯光闪耀或者是星光灿烂的时候用钢片琴表达，也可以用双簧管或者是长笛来描述生机勃勃的清晨，还可以在微风吹拂的时候加上一些小提琴的颤弓效果使这种感觉更形象化……这样的情景交融可以让观众在视觉享受的同时感受听觉上的美，视觉和听觉相结合，共同感受作品的情感。以实例来说，钢琴所抒发的感情是非常优越的，因此，在纪录片《冬猎》中，当冰雪覆盖自然的景象出现时，就会响起一阵透彻且明亮的钢琴声，为了突出树挂的特色，钢琴快递下行的琶音就能形象地将枝头挂着冰凌的景象表现出来，通过音乐使整个画面更有激情，刻画的景象更深刻。音乐既能展现画面真实的感觉，同时还能将所要展示给观众的意境传达出来，在形似的同时做到了神似，使画面极富感染力。

画面往往只能表现主人公外在的一面，而往往主人公的内心是无法形象地表现的，这时，影视音乐就能很恰当地解决这个问题，它可以通过烘托背景氛围来侧面揭示主人公的内心世界。

1.烘托环境的氛围。影视作品的环境氛围是不能通过视觉观察出来的，而影视音乐则可以通过旋律和乐器的变换来烘托背景氛围。例如，电视剧《红楼梦》，这部作品主要是通过展示林黛玉和贾宝玉的悲情爱情故事，来展现一个封建社会大家族的兴盛和衰败，以此来表达封建社会注定会终结的主题。根据这一作品，作曲家创作出了一系列以悲为美的音乐作品。使整个作品从头至尾都贯穿着悲凉的气氛，细腻地表现出了主人公的内心世界。这些音乐作品不管是歌词、旋律还是和音响，都将这种悲情的美表现得淋漓尽致，使整个作品的背景都展现出一种悲伤的氛围，让剧中主人公的情感以及命运都在悲伤的氛围中得以最自然的流露。

2.烘托时代的氛围。影视作品还能通过影视音乐来烘托时代的氛围。比如，电影《祖国的花朵》，它的一首插曲《让我们荡起双桨》曾经红遍大江南北，被许多的青少年所传唱。因为这部电影是一部有关儿童的电影，所以，这首插曲就能让人感受到浓厚的童真童趣。歌词和旋律刻画了一副孩子们在课余时间在美丽的北海公园划船游玩的景象。展现出孩子们在最纯真年代的幸福生活，将北海公园的美和孩子的欢乐描绘得出神入化，让我们每当看到这部电影或者听到这首歌曲，思想都能很自然地回到那个美好的时代。这正是影视音乐对时代烘托的最好的例子。

3.衬托地域之美。地域的美不仅从影视作品中可以感受得到，影视音乐也可以将其衬托得很完美。例如，电影《黑骏马》，这部影片揽尽了草原辽阔坦荡的风光，同时捕捉到了草原上豁达强韧的生命力，向观众呈现出一种宽阔的胸襟，而由腾格尔作曲的主题曲《天堂》更是完美地将草原的美通过音乐展现出来，每当音乐响起的时候就能让人想到辽阔的草原。

4.烘托民族的特点。音乐常常可以将一个民族的特点表现得尤为突出。例如，张艺谋导演著名的作品《十面埋伏》，这部电影的插曲《十面埋伏》运用中国的传统乐器琵琶，将十面埋伏的那种场景表现得淋漓尽致，一方面深化了电影的主题，同时也将我们的民族特点得以突出。

音乐对观众的影响往往是经过潜移默化的，它会带着观众走进影视作品中，感受主人公的内心世界，使观众可以在听到影视音乐的时候自然而然联系到影视剧中的桥段，以此来将影视作品与影视音乐联系起来。例如，曾经红遍中国的香港电影《甜蜜蜜》，其中由邓丽君演唱的主题曲《甜蜜蜜》堪称经典。影片中的两位主人公在初次相遇时，既浪漫又心动，这首歌曲用甜美的声音唱出了主人公内心的甜蜜和幸福。随着故事的发展，由于现实的压力，主人公分分合合，最终在异乡无意间听到《甜蜜蜜》时四目相对，好像经历了好几个世纪，让主人公心中的情感得以表现，因此，这首歌曲贯穿整部作品，将主人公的内心世界描绘得生动、形象、具体。

自1893年爱迪生发明了电影视镜并创建“囚车”摄影场，“电影”就轰轰烈烈地登上了历史的舞台，但随着时代的发展，人们对艺术的鉴赏能力的提高，电影制片商发现单纯的影视作品再也满足不了观众的需求，于是影视音乐登场，它在扩展电影内涵、丰富电影美感上做出不可磨灭的贡献，在当时音乐已经有了比较成熟的发展，结合影视剧情的一种新的艺术表现形式“音乐电视”也应运而生，它使音乐和影视都达到了一个新的高度，音乐更加富有内涵，而影视也更加传神。

(一)连接影视剧情

电影的艺术表现手法多种多样，太过繁复的剧情有时因为时间关系并不能细细讲述;而多个主线同时发生的时间也不能同时描绘。所以经常会出现多个片段连续剪辑的镜头，这时，单纯的画面已不能圆满地表达清楚细节，就需要利用音乐来衔接剧情，让观众更深刻地领会电影内涵。比如在《无间道2》中，随着剧情的发展，倪家为了巩固自己黑帮的地位，而决定杀害其他四位合作者，而由于倪永孝心思缜密，计划周全，鞍山行动几乎在同时进行，所以导演用了大量剪切镜头分段描述刺杀四位头目的过程，这时背景音乐开始演奏，从行动开始就弥漫着一曲凄凉的口琴演奏，舒缓、哀伤、压抑。使观众沉浸其中，大量镜头的切换也显得自然、流畅，更让观众深刻地体会到男主角倪永孝的心狠手辣，也领悟到黑社会的残酷。设计非常巧妙，背景音乐在此时承担了非常重要的衔接的作用。

(二)总结影视内容

在电影剧情发展到一定阶段，各种因果尘埃落定之时，再多的镜头画面都不能更深入地表达内涵的时候，音乐的另一个作用就体现了出来，那就是总结、评价电影，给观众灵魂上以更深刻的冲击，而且如果使用得当既不会使音乐显得突兀，也不会让画面太过尴尬。比如:在电影《花木兰》中，战争开始，泥土血水漫天，战马旌旗飘扬的战场上，披坚执锐策马奔腾的花木兰出现。此时《木兰情》这首音乐开始演奏，词曲融入大量中国风，能使人产生较强的民族感，而且插曲旋律辽阔而大气，以马头琴为主、古筝为辅的演奏工具更鲜明地表现出战争场面的震撼，与影片整体以及场景非常符合，结合强势的背景音乐让观众看着在血流漂橹的战场上厮杀的花木兰，都会不禁心生感慨，为花木兰的命运多舛而感到同情，同时也为花木兰的坚强而自豪。这时的背景音乐就很完美地起到了一个点题的作用，无需再多的画面描述，花木兰那种在命运面前不轻易低头、勇于直面困境的顽强心态得以完整地呈现在了观众面前，而且以音乐的形式烘托出来更让观众有种只可意会的快感，更加强化了电影的效果。

(三)深化影视主题

一般来说成功电影的内涵并不容易让人轻易领会，但台词和音乐都会在不经意间流露导演的真实想法，这就需要观众去结合音乐细细品味，比如:在《大话西游》中，初次看这部电影，大多数人都会以为这只是单纯的一部喜剧片，但如果你细细品味就会发现其实并没有这么简单，在影片最后，孙悟空踏着七彩祥云出现，与紫霞仙子在空中纠缠时，背景音乐《天地孤影任我行》开始演奏，最后紫霞仙子为孙悟空挡住了牛魔王的一击之后说“我猜中了前头，可是我猜不着这结局”，音乐也达到了高潮，那种凄美的爱情结合苍凉雄厚、豪气悲壮的音乐顿时让人泪流满面，这时全篇主旨才慢慢浮出水面，观众才突然醒悟，这根本不是一部喜剧片，而是讲述凄美爱情的黑色幽默剧，剧情的转折固然有重要作用，但明亮庄严的音乐才让观众有了醍醐灌顶的觉悟。不得不说影视作品中音乐的作用非常重要，它可以深化影视的主题。

根据本文论述我们可以看出，背景音乐是影视艺术中一项重要的表现手法。音乐这种特定的表现手法创造了一种将人的情感超脱出画面，外化成为一种动感意向的形式，以虚幻又充满张力的声音运动帮助观众进行审美思维的塑造，最终成就了影视音乐独特的魅力。

影视音乐赏析论文范文二：浅论影视音乐的节奏艺术

一、影视音乐节奏与其他影视声音形成的复合的声声节奏

影视音乐作为声音要素在影视作品中与之伴随的还有人声和自然声，由于同属于声音物质，影视音乐的节奏一定会受到这两种声音要素的直接影响。在某些学者的观念里，整个影视声音就像是具体音乐，也就是其他声音就是音乐的组成部分，从而可以把整个影视声音作为特殊的音乐来认识。这里我们虽然不能完全同意这样的观点，但音乐与其他声1342013年第4期音之间的紧密关系我们不能忽略。特别值得我们注意的是在影视声音设计中，由于其他声音要素的客观性和确定性较强，而影视音乐却具有较大的主观性和随机性。作为一个独立的声音要素，它在创作中就具有非常重要的技术性和主观能动性，而其中重要的一个技术性原则就是节奏。下面，我们分别来分析音乐与人声、自然声形成的复合的声声节奏的形态特征。

(一)音乐与人声的复合节奏

在有对白的情节中，人声与音乐的的结合主要是纵向结合，它们结合形成的节奏形态可以分成主要三个类型：对应、对比和互补。在这里，我们不太可能也没有必要像多声部音乐一样去量化分析两个声音层的节奏，但我们可以用它们表现出来的节奏特征进行分析。在某些节奏点上，有时甚至可以用主观与客观结合的方法进行分析。从多声部音乐的节奏特征来看，对应性节奏基本上不改变原来的节奏特征，但可以起到丰富和加强的作用。这在影视音乐与人声的结合中是一样的，比如快速的人声对白与快速节奏的音乐的结合。在影视作品中，音乐会加强对白的节奏，同时还会加强语言的情感性。节奏的对比就是一个节奏层为快速，另一个节奏层为慢速。从理论上来说，快慢速节奏的结合就是互相综合。如慢速的人声对白与快速的音乐结合时，人声的速度感增强，同时情感性增强。而快速的人声与慢速的音乐结合时，人声的速度感减弱。这种节奏形态带来的另一种情况就是节奏对比打破了视听联觉的习惯，音乐节奏成为前景，视听感官感受削弱，思想情感增强。音乐与人声的互补就是两者的节奏在横向上都是变化的，但在纵向上结合起来就是一个复合的规律性节奏。在这里，由于音乐与人声形成的音色节奏的加入使节奏的动力性更强，如人声的节奏在横向上是快慢快的进行，同时音乐的节奏在横向上是慢快慢的节奏进行，那么人声与音乐就会在纵向上形成快慢结合，但在横向上却会保持相对稳定的声音的复合节奏。音乐与人声形成的复合节奏的节奏形态对于我们在给影片进行声音设计时，特别是为一个有对白的情节配乐时，应该特别关注其他声音在音乐节奏中的参与。比如有时为了声音节奏的表现，我们会重新设计音乐的节奏。又如音乐可以参与复合节奏，但要考虑人声的内容的表现。明显的音乐节奏会影响语言内容的表达，所以特别在语言内容非常重要的地方，我们的声音设计应该是，要么音乐在声场中置于背景，而语言为前景;要么把音乐的节奏动力弱化。

(二)音乐与自然声的复合节奏

自然声与人声一样，许多时候会受到情节内容与画面的影响，所以它的节奏非常具有客观性和确定性。由于规律性节奏对于非规律性节奏的控制作用，当它与音乐结合时，人们会不自觉的让它参与到音乐的节奏中。我们抛开自然声的写实以及表情的功能，从节奏的角度来分析它与音乐结合的复合节奏的形态以及特征。自然声与音乐的复合节奏同样存在对应、对比和互补三种形态。如快步的脚步声与快速的节奏的音乐的结合就是节奏的对应;密集的枪声的快节奏与长音旋律的慢节奏的结合就是对比;格斗中偶尔一记重拳与紧跟的音乐重音形成的一个以自然音为重音开始的音响片段就是节奏的互相补充。这里有一点特别值得我们关注，因为人声的表意性大于它的节奏性特征，所以它参与音乐的节奏的倾向性较弱，而自然声的节奏特征却比较明显，所以在与音乐的结合时与人声不一样的是它参与音乐节奏的倾向性大大增强。此时如果自然声与音乐在纵向复合节奏上不能体现节奏的一致性的话，就会形成不协和节奏，如果不协和节奏不是我们此时的表现需要的话，一般在声场上采用音乐成为背景，而让自然声成为前景的声音设计，或者让音乐的节奏动力弱化，突出自然声的节奏和自然声的写实和表情功能。

二、影视音乐节奏与画面节奏形成的复合的声画节奏

(一)影视画面节奏的理论

从文章前面的论述我们知道：在音乐的节奏理论中，发音点、时值与停顿是节奏构成的三个必不可少的要素。这可以认为是音符的一次运动或一个节奏点，而多次运动或多个节奏点就会产生节奏感。这种神经反射的时间间隔存在于听觉神经系统对声音的反应中以及其他所有的感觉系统中，如视觉对对象活动的反应所具有的时间间隔形成会构成视觉的节奏体验。用音乐的节奏观念，我们就可以来理解影视画面要素中剪辑、镜头、画内信息的节奏。在剪辑节奏的构成要素中，一个镜头的第一帧可以认为是发音点，持续时间可以认为是时值，最后一帧可以认为是停顿;镜头的节奏要素可以理解为镜头运动的开始，持续和结束，也就是从镜头的起幅到落幅的过程。而画内信息主要是人和物的运动，节奏也就是人和物的运动的开始，持续和结束。

(二)声画节奏观念

影视音乐作为一种特殊的音乐形态，它不仅受其它声音要素的影响，而且也会受到画面节奏的影响。也就是说，影视音乐可以与画面结合形成影视声画节奏。在无声电影时期，音乐被认为是电影的伴奏，它的功能更多是增加娱乐性和满足人们的视听习惯。当然后来人们努力使音乐与电影协调一致，例如在情感和节奏上，但许多时候音乐与画面在节奏上基本没有什么联系。在有声电影时期，音乐成为画面的附属，画面的运动和节奏许多时候会配上相应节奏的音乐，这种方式被称为按动作配乐，也叫米老鼠式编曲。当今时代，影视音乐成为影视艺术视听要素中重要的组成部分，音乐不是单纯的附属要素，而是有机的成分，音乐积极的参与叙事，表情以及运动。在参与运动的过程中，节奏成为重要的载体。电影中声音与画面结合所形成的声画节奏的形态特征的发展变化是一个从单一要素结合到多种要素复合的过程，也是一个从偶然、随机到主观、互动的的过程。影视作品中画面的节奏主要由剪辑、镜头运动和画内信息运动构成。在实际作品中，它们有时也有主次或前景背景之分。如某些画面节奏主要是由剪辑节奏构成，而有的画面节奏主要由镜头运动节奏构成。一般情况下谁的节奏速度快，谁就是主要节奏层次或者说是前景节奏。如剪辑节奏的速度超过镜头运动和画内信息运动时，剪辑节奏就是主要节奏层次和前景节奏。

(三)影视音乐与画面的声画复合节奏形态

与音乐、人声和自然声的节奏关系一样，影视音乐与画面的复合节奏主要有三种形态：对应、对比和互补。三种声画节奏形态体现不同的声画节奏表现特征。声画节奏对应就是音乐与相同节奏速度的画面剪辑、运动、信息节奏的结合而形成的声画复合节奏。当影视画面的节奏较快而此时音乐的节奏也属于快速的话，它们就属于对应性节奏。节奏对应时，声画节奏又可能出现两种状态，如以画面节奏为前景的声画节奏和以音乐节奏为前景的声画节奏。以画面节奏为前景时，画面内容的重要性被突出，内部节奏成为主要节奏层;音乐节奏为前景时，视听感受被突出，外部节奏成为主要节奏层。当然还有一种情况就是它们互相都不是前景和背景的关系而是音乐的节奏点与画面的节奏点形成节奏重音。由于节奏要素的增加和节奏的一致性特点，节奏重音的动力性会大大增强。对比性节奏就是音乐的节奏速度与画面节奏的速度形成对比，也就是一个节奏层次的速度快而另一个节奏层次的速度慢。它们之间会形成节奏动力互相影响的情况。如快节奏的画面节奏与慢节奏的音乐节奏结合时，由于对比节奏的出现，外部画面节奏减弱，内部心理情感节奏感增强。由于视听节奏的不一致而使人们会去主动感受外部画面节奏之外的内部情节节奏。而当画面节奏为慢速节奏而音乐为快速节奏时，由于对比节奏的出现，外部视听节奏感增强。互补性节奏实际上就是画面节奏与音乐节奏两者的节奏点互相补充。如剪辑节奏为慢速时纵向上音乐节奏为快速，横向上当音乐节奏变为快速时此时纵向上剪辑节奏则变为慢速。互补节奏只是节奏的要素发生变化而节奏的特征保持不变。互补节奏有两个方面值得我们关注，如由于要素的增加，它的声画节奏动力被加强;还有就是在情节中声音和画面互相加强而互不干扰。如在音乐与人声的互补节奏中，音乐与人声的相继出现可以使人声表达的信息内容不受到其他声音要素的干扰。

三、影视音乐与其他声音和画面形成的复合节奏

求音乐鉴赏论文 (1000字)

1、音乐是生活中无处不在的一部分，它不仅是一种艺术欣赏，更是一种精神享受，学会享受音乐便是迈出了享受美的第一步。曾经我以为音乐就只是用来听的，其实不然，音乐是有内涵、有思想、有情感的，由一个个音符排起来的乐谱是有生命的，让人感悟，让人身临其境，让人感同身受，让人欣喜不已。

2、我在这门课里不仅学到了很多知名作曲家的人生经历，还通过这些或喜或悲的故事、或欢快或低沉的乐曲提升了自己的精神境界。在情绪低落时，具有愉悦向上旋律交响曲、进行曲使我感到心情豁然开朗；在心情烦躁时，温柔平和的轻音乐让我能慢慢静下心来思考问题；在独自无聊时，听一些浪漫唯美的音乐可以让我感到充实不寂寞。

3、音乐有古典与现代之分，有中国与西方之分。在我国，现代音乐较为流行的是Rap音乐，其中，周杰伦是最著名的、最有影响力的代表人物之一。

潘玮柏、胡彦斌、陶喆也是很受欢迎的优质歌曲高产歌手，他们大多从21世纪初出道并活跃至今。周杰伦的音乐在中国现代音乐史上应该说是具有创造性的，他那融合西方说唱及自身演唱特点的经典唱法使很多人打开眼界——原来歌也可以这样唱。

4、我初中的时候很崇拜他，他是很多人的青春记忆，正如他所说，就算他以后不再流行了，但只要大家对爱情感到累的时候听到《简单爱》可以感到幸福，他就没白在大家的青春里出现过。

虽然他的特色是吐字不清的说唱，但他也有很多融入古典因素的中国风的歌曲，例如《东风破》、《菊花台》、《青花瓷》、《发如雪》等，悠扬动听的旋律广受大家喜爱的原因之一就是大家在潜意识里对古典音乐还是有热爱的。古典音乐的魅力可以影响至今是因为它纯净独特的美。

5、所以我最欣赏的还是古典音乐，西方古典音乐的优秀与卓越是毋庸置疑的，有太多优美的旋律让人万分欣赏，赞叹不已。有太多优秀的作曲家让人敬佩崇拜，我最喜欢的是巴赫，他的作品中我最偏爱《G弦上的咏叹调》，每当心情不好的时候播放此曲，心情总是会渐渐好转，屡试不爽。

其它人的更优秀的作品也是数不清的，拿贝多芬的《命运交响曲》来说，历史上表现命运的音乐很多，但惟独只有贝多芬选择了用敲门声来表现命运，一声声短促而有力的敲门声显示出生命力的旺盛和与命运抗争到底的决心。

音乐欣赏在高等音乐教学中的重要性

音乐欣赏在高等音乐教学中的重要性

　【论文关键词】音乐欣赏　重要性　音乐教学

【论文摘 要】音乐可以起到熏陶个人性情、培养个人高尚情操以及形成个人高雅审美趣味的作用，所以音乐教学在整个教育环节中是必不可少的。音乐教学的最主要形式是音乐欣赏，音乐欣赏课以其直观的感受力、给学生切身体验等优势，成为音乐教学培养学生兴趣、扩大学生视野、提高学生分析、欣赏音乐能力的主要途径，音乐欣赏教学的价值还值得我们进一步探讨与发掘。本文通过分析音乐欣赏教学现状、探索如何在音乐教学过程中提高学生的音乐鉴赏能力，为音乐教学的建设与发展提供了借鉴意义。

一、音乐欣赏在高等音乐教学中的重要性

1、音乐欣赏课可以培养学生对音乐的浓厚兴趣，改变他们学的驱动力。只有当学生能从学习中获得快乐与成就感，他们才会对学习产生浓厚兴趣，愿意深入学习。音乐欣赏课可以让同学们在感知音乐的过程中，体会音乐的美妙及其带给人的感官享受，这样学生会带着兴趣主动学习，能获得更好的学习效果。

2、音乐具有陶冶学生情操、升华学生道德的作用，音乐带给同学的情感共鸣，可以让学生浑然忘我，与音乐 蓦 然契合，给同学们带来情感的震撼与交响。乐曲中的感情，全部转化为听众的体验，使听众完全随音乐的流动而沉醉，得到高度的审美享受。它带给人们的绝对不在一个狭小的范畴之内，它会使人们在广阔的天地里飞腾、翱翔，从而情感上得到陶冶，理智上得到升华。

3、音乐欣赏课程可以培养并进一步提高学生的音乐鉴赏能力。音乐欣赏者的生活背景、文化背景及阅历的差异，会带来他们在音乐欣赏上的差异，这些因素也会导致他们的鉴赏能力参差不齐。具有音乐鉴赏能力的人，应该能听优雅的古典音乐，也能接受现代音乐、流行音乐，甚至能够记忆经典乐章的乐谱。最终达到能分析音乐基本要素与音乐作品独创性、表现力之间的关系。通过音乐欣赏，可使学生在不断的聆听、感受、总结中提高自己的音乐鉴赏能力。

二、音乐欣赏教学的现状分析

1、音乐欣赏课在各高等院校还未得到足够的重视。音乐欣赏课程作为提高学生审美能力、陶冶学生情操的一大重要途径，理应受到高等师范院校的重视，但是开设音乐欣赏课的高校极少。而且大部分的音乐欣赏课的教学都只是流于形式，教学设施落后，资金投入不足，造成音乐欣赏课教学质量普遍不高。部分音乐教师的教学也仅仅局限于看懂五线谱，学唱几首歌曲，欣赏一些音乐作品。

2、音乐欣赏课内容古板、陈旧，难以吸引学生的兴趣。很多高校的音乐教材选取缺乏特色，课程主要是对中外的古典音乐作品加以欣赏，授课方式模式化，课堂气氛沉闷，教学难以达到预期目标，大多数学生的音乐欣赏能力并没有实质性的提高，老师将欣赏的作品先做简单介绍，然后放音乐，学生听，学生始终处于被动状态，不能从音乐中获得深刻的情感体验，更谈不上从音乐中获得启迪和思想的升华。

3、教学理念与教学时间的矛盾。贯穿音乐教学的核心理念应该是对音乐的审美化欣赏，在音乐教学的过程中使学生的情操得到潜移默化的提高，形成健全的人格。在未实施音乐课程改革方案之前，音乐教师和音乐教育机构也十分重视音乐教学的建设与发展，人民音乐出版社和人民教育出版社发行了不同版本、不停内容的音乐教材，更有甚者，将音乐教材分为“沿海版”和“乡土版”，目的是想寻求一种更完善的途径,达到育人的效果。在教学上,除借鉴世界各国优秀的教法外,侧重于“愉快教学”和“寓教于乐”的理念。以上状况无论优劣,究其一点,始终未将“审美”放在第一位;此外,音乐课本里有连贯的知识系统,但基于以上的教育理念,学生通过几年的音乐课程学习,仍难以真正掌握某一知识性内容。

三、如何在音乐教学中培养学生的音乐欣赏能力

1、为音乐欣赏课程的发展营造良好的环境氛围。当下的音乐教学改革所推出的音乐课程新标准给老师们提出了新的要求，老师们要以兴趣为动力，以音乐审美为核心，激发全体同学对音乐的喜爱之情，让同学们积极主动的参与到音乐欣赏活动中。这需要营造良好的音乐欣赏氛围，使同学们潜移默化的提高音乐鉴赏水平。这就要求音乐欣赏的环境:一要物质环境美。一个优雅、整齐、美观的.环境会给师生带来一种健康向上的心理影响。心理学认为，良好环境的营造，使人们的言行在心理上起着很重要的演化引导作用，学生进入的是接受音乐熏陶的音乐课堂，环境整洁安静，才会带着好的心境去接受教育。二要心理氛围轻松、和谐。教师的行为、语言、气质要具有良好的示范作用。教师的教态应该做到“音美以感耳”“形美以感目”。首先教师应热爱音乐教育事业，热爱学生，才能让学生感到亲切。其次，教师要全身心的投入课堂，以自己良好的音乐素养、扎实的音乐功底来带动学生积极参与到音乐鉴赏能力的培养中，让学生自觉提高音乐审美意识。

2、为学生提供适合的欣赏内容。随着时代的发展，音乐作品也不断地创新、更新换代，学生更容易接受时代气息浓厚的音乐作品。因此，音乐教学要充分考虑到学生的年龄、知识背景、兴趣爱好等因素，选择那些既优美，能陶冶学生情操，又平实易懂，容易被学生接受的音乐作品。在音乐欣赏美的过程中，让学生在自己喜爱的音乐作品将自己的内心体验投射到听觉活动中，自由地表现自我。在表现和创造中提高自我认识和评价能力。

3、采用灵活的授课方式，博引各国各时代的经典音乐作品。学生已形成一定的知识结构，拥有了自己的人生观世界观，所以音乐教材要灵活多变，因材施教，体现学生在教学过程中的主观能动性。教师在进行音乐教学时，应该注意积极在音乐欣赏的内容和境界上作出更深的探索，既能上升到音乐文化的高度上来引导学生对音乐作品进行欣赏，又能够在教学过程中与人文色彩充分融合，使学生在进行音乐欣赏时能够与相关的历史、文学等方面知识相联系，从而促进学生主动参与进对音乐作品的感受和体验中去，激发学生进行欣赏的兴趣。在授课过程中，老师不能局限于教材所提供的篇目，老师要旁征博引，让学生广泛接触各国、各时代的经典音乐作品。拓宽学生欣赏视野。

参考文献：

[1]王希.浅谈音乐欣赏教学中的情感体验[J].黑龙江科技信息,2009(3).

[2]潘朝阳.音乐欣赏略谈[J].科教文汇,2009(1).

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